Netflix 停格動畫電影《惡魔兄弟》由 《十四道門》Henry Selick 執導，找來小說家 Clay McLeod Chapman 與《逃出絕命鎮》導演喬登皮爾共同編劇，劇情描述女高中生 Kat自小失去家人，變成不良少女，來到了邊緣小鎮的私立女子高中，為了復活爸媽，她召喚了惡魔兄弟 Wendell 與 Wild，然而惡魔兄弟卻被企業家利用，為小鎮帶來危機。電影強烈的暗黑視覺美學以及黑色幽默的喜劇風格，獲得動畫界的好評，映CG 此次採訪《惡魔兄弟》動畫總監 Malcolm Lamont，暢聊電影的幕後製作以及角色表演的訣竅。

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如何跟導演 Henry Selick 合作？

Malcolm Lamont：在電影的製作過程中，有一半時間會跟導演 Henry Selick 在剪接室討論將要拍攝、正要拍攝、拍攝完的鏡頭。我們會在剪接室觀看樣片、動畫測試畫面與任何需要討論的鏡頭，但因為疫情的影響，這些會議被迫在線上舉辦，因此我們必須在線上剪輯軟體上討論這些事，起初很尷尬，但後來我們就習慣了。線上運作並不會放慢製作速度，反而有一些特別的好處，例如我們能在螢幕上畫畫、塗鴉，寫下建議的筆記，這讓溝通更有效率。

導演 Henry Selick 對創作有非常強烈的遠見，對停格動畫富有熱情，因此他了解創作是必須經過合作的，至少在創作一部劇情長片上。他是一位好的合作對象，他經常詢問我們對於表演或創意效果的想法，並仔細聆聽。如果你有非常有趣的想法，並以清楚且有自信的方式提出，他會納入考慮，因此拍攝場所是一個集思廣益、發揮創意的好地方。 

聊聊《惡魔兄弟》的角色動畫製程？ 

Malcolm Lamont：基本上與一般停格動畫的製程相似。而作為動畫總監，我必須參與木偶的開發過程，並進行動畫測試，針對所需技術撰寫說明作為指南，提供給劇組每一位新進的動畫師。開拍後，我們並不像萊卡動畫一樣，能花費大量的時間與金錢完成作品，因此我們必須以最高效率完成拍攝。一開始會先針對關鍵動作每秒拍個 8、10 或 12張，接著再排練及細修表演，之後用一秒 12 張或一秒 6 張的方式再拍一次，如果一切順利則會用一秒 24 張的方式拍攝最終的動畫，因此這是一個漫長的拍攝過程。 

為了節省時間，一旦開始拍攝角色動畫，我們會跳過排練直接拍攝，用一秒 6 張、一秒 3 張的方式攝製粗略鏡頭，沒有比這個更詳細更耗時的過程。有時當你花很長時間用不同的拍攝方式做動畫時，會失去一些停格動畫的能量感，例如說，當你要拍攝真正的鏡頭時，你已經有操作過 2 或 3 次的經驗了，因此在最終的表演上會喪失一些能量感，因此我們決定跳過排練，努力保留停格動畫帶給觀眾「歡樂節奏」(happy accents)與能量。

為了確保拍出來的動畫與導演最初的想法相符或差別不大，我們會拍攝很多參考影片，並與導演、動畫團隊討論，這時我們會快速粗略地討論一些動畫表演的想法或製作方式，而不是花幾天時間拍攝初版，才發現這個表演效果不好。因此我們拿起攝影機自己先表演，並在剪輯時看著並嘲笑這個表演，在過程中不斷嘗試，從中也可以了解不同詮釋與表演想法，加速整體製程。

動畫部門還需要與哪些部門合作？  

Malcolm Lamont：若要說我在創作時最在乎什麼，絕對就是角色能不能透過表演展露性格，就算其他地方有些缺失，如果表演很吸睛，我就會覺得「贏了！」因此我們跟每個部門都緊密合作，共同為同一個目標努力－「鏡頭是否講述故事？」但在停格動畫中，每個部門都會活在自己的世界，煞費苦心地製作電影的每個微小細節，反而容易迷失主要方向，因此重要的是引領團隊往觀眾覺得重要、好看的方向走，而不是讓成員們追求個人的滿意度。這時部門間溝通就變得很重要，我會想成為引領團隊、創造方向的「關鍵人物」。 

談談角色臉部的動畫製程？ 

Malcolm Lamont：我們沒有預算來製作十億種不同的臉部表情，也無意這樣做，也不想用 CG 代理，因為想讓《惡魔兄弟》看起來像停格動畫。因此要如何拿掉一些東西，同時希望讓觀眾能進入角色心境與故事，是我們不斷深思的事。團隊不介意從一個表情切換到另一個表情，這是《惡魔兄弟》的動畫風格，所以當動畫部門讀劇本時，我們會先分解每個角色在故事中經歷的情緒，畢竟不想做出不需要用到的表情，舉例來說，主角凱特的情感波動最大，因此想打造細膩的表演，展現她所承載的情緒，而在故事中，她是一個不快樂的人，所以我們打造較少的快樂表情，並集中精力在她的悲傷情感。

另外還有嘴形的部分，傳統停格動畫會製作基本的嘴形用於對白，儘管每個工作室做法不盡相同，但基本上還是會建構一套將角色說話時的語音形象化的形狀，通常會選擇更小的嘴巴來處理多種聲音，而這些嘴形會有對應的字母或發音組合，例如說 MBP、DST、EE、AE、AH、FV 。因此只要發出特定聲音，它就會組成對應類別的嘴形，也就可以表演詳細與複雜的對話戲。

再來，每個角色都有各自的情緒列表。通常主角會有比較詳細的情緒表單與表情包，而背景角色只會有少量的表情包，動畫師就必須在有限的表情包中做出各種嘴形或表演，將故事繼續說下去，這是詮釋角色動畫其中有趣的一點，因為有些角色只有 8 或 9 張嘴形可以運用。 

惡魔兄弟這兩個角色的表演，與其他角色相比，有什麼不同？ 

Malcolm Lamont：我們還會讓動畫師扮演他們喜歡的角色，就像演員一樣，有些演員擅長喜劇、有些擅長動作片、有些擅長劇情片，團隊會研究哪些動畫師詮釋的角色是有趣的表演，並邀請他們將這些表演詮釋在正式拍攝中。惡魔兄弟 Wendell 與 Wild 是本片的喜劇擔當，所以在表演上希望能與主角 Kat 微妙的情感變化有所對比，兩兄弟的性格傲慢又自大，因此我們用更「卡通」的方式設計它們的表演，例如它們的動作是花俏有趣的，移動時非常活潑，動態風格上會有很多姿勢的強硬變化，而主角凱特與她同學 Raúl 則是流暢自然的風格，當這些角色與惡魔兄弟出現在同一個畫面時，會有不同動態風格相互抗衡，可以形成強烈的對比。

另外，角色設計也會影響表演與動作設計，例如 Wild 的身形是巨大的球與細短的腿，因此他走路絕對不能像一般人一樣。這就是角色設計如何決定動態表現的典型範例，同樣也適用於其他角色，像是反派 Irmgard ，她有著極其怪異的乾扁身軀與非常小的腳，這讓她看起來有趣且令人毛骨悚然，因此當然不能用「正常人」的表演方式去詮釋她，削弱她的怪異感。 

電影有很多配樂，動畫師該如何配合音樂節奏調整表演？ 

Malcolm Lamont：跟音樂相關的表演，我們會視為「對白動畫」。先錄製聲音，然後上傳到我們使用的動畫軟體 DragonFrame 中，動畫師就會像準備對話戲，仔細聆聽聲音，並配合音樂節拍去詮釋這場戲的表演。 

結尾正反雙方對決，在動畫製作上有什麼挑戰嗎？

Malcolm Lamont：從製作角度來看，一場戲時長越短，其實拍攝成本反而越高，因為不論是 20 幀或是 20 秒的鏡頭時間，團隊必須花費相同的時間打扮角色、打光與操縱戲偶。動作戲通常是由很多短秒數鏡頭銜接在一起的，所以節奏相當快，需要花最久的時間才能完成，是拖累製作部門生活水平的罪魁禍首。

從動畫師的角度來看，為多個角色製作動畫會增加每個鏡頭的複雜性，假設一個角色拍攝一個鏡頭需要 2 天，那八個角色拍攝一個鏡頭需要多長時間。因此團隊試圖縮減有大量戲偶的鏡頭，但這些大場面會讓故事看起來更特別，並擁有真實感，所以還是要從中進行權衡。 

哪一場戲最有挑戰性？ 

Malcolm Lamont：拍攝大惡魔 Buffalo Belzer 的鏡頭都非常有趣，在電影裡，他是一位 300 英尺高(91.44 公尺)的惡魔。所以建造了許多不同比例的偶，以符合各種拍攝鏡頭的需求以及現場實拍環境。基本戲偶的尺寸有16 英寸高 (40.64 公分)，但也有一個巨型的偶，肚子上放著「尖叫馬戲團」，這個偶的肚子有 15 英尺寬 (4.57 公尺)，還有大約 1 英尺 (0.3 公尺)的巨型腦袋以及中等規模的手。其中有一場戲是他拿起其他惡魔角色，這個巨型手大小則與家用汽車差不多，也因為這個手太大，還必須用吊臂起重機來抬起它到半空中。設計這麼多版本戲偶去拍攝有這個角色的畫面，絕對是一場有趣的挑戰。 

但對我來說，最不眠不休的鏡頭是惡魔兄弟 Wendell 與 Wild 在大惡魔 Buffalo Belzer 鼻子裡那場戲，他們正計畫要逃跑，於是捏造了鼻屎假人。這場戲看起來並不複雜，但讓人非常頭痛，因為惡魔兄弟捏造假人的過程要看起來很完美且合理，所以需要時間倒轉拍攝，團隊用蠟製作了這些假人，卻沒有足夠的蠟來測試該如何製作成動畫，因此我們計畫拍攝蠟熔化的樣子，再倒轉時間，讓它看起來就像從零捏造出這些假人。因此動畫師要從假人完成時開始拍，所有的動態也都是反向的，完成後還必須記得偶的位置，才能繼續拍攝接下來的戲。看起來轉瞬即逝的畫面，其實是動畫師辛苦打造出來的成果。 

圖片由 Malcolm Lamont 提供，文章由映 CG 所有，如需轉載請聯絡我們。