一般我們對於聲音、音樂結合互動的表現形式，停留在 DJ 與 VJ 的演出形式，2024TTXC 台灣文化科技大會於 10 月 26 日舉辦「音樂與科技的奇妙碰撞：打造未來音樂的新體驗」國際論壇，由新媒體藝術工作者蔡宏賢主持開場，並邀請三位講者：媒體藝術策展人鄺佳玲、日本媒體藝術家真鍋大度、以及明和電機社長土佐信道分享他們的展演案例，打破我們對於音樂藝術表演形式的想像。

月亮有味道？透過嗅覺與觀眾互動，締造太空藝術的想像

鄺佳玲自 2006 年開始從事策展工作，也時常在社群平台上分享關於創意的觀點，並擔任台灣、香港及他國藝術家的監製，同時在多所學院任教。她熱衷科技與藝術結合的互動展演，於是現場分享了多個科技與藝術的互動展演案例，推翻我們對於展覽的既定印象。

Microwave 新媒體藝術節成立於 1996 年，固定於 10 月至 11 月之間舉辦。鄺佳玲自 2006 年開始參與藝術節策展，她特別分享2013年藝術節開幕式的互動演出「Terra Zero」，是當年藝術節的主題，探討人類於外太空居住的可能性。在這屆藝術節的開幕表演中，她與英國藝術家團隊 WE COLONISED THE MOON 聯手創作了一場名為《Live Moon Smelling》的表演。由於觀眾較難聯想何謂太空藝術，所以透過氣味促進觀眾的想像力。藝術家團隊嘗試合成月球的特殊氣味，裝入氣球內。表演當天，隨著倒數聲，全場觀眾在同一時刻戳破氣球，讓氣味瞬間充滿整個空間。這場演出強調與觀眾的互動性，透過感官拉近與太空藝術的距離。該作品在香港、台北及廈門等地巡迴演出，引起廣泛關注與討論。

藝術不再只是觀賞，脫離被動欣賞，開創主動體驗

2013 年鄺佳玲也受到台北當代藝術館 MoCA Taipei 的邀請策畫「因腦維新族的展覽」。她找了英國的 Circumstance 團隊合作，演出 33 分鐘的戶外電影《彷彿最後一次》（As If We Were the Last），這個演出的靈感取自藝術團隊成員親人重病的經歷，強調「當下」的重要性。首先團隊希望所有的觀眾都是演員，自願參與演出的觀眾會先收到一封電子郵件，信件中有一張地圖標示演出場地，並且還會收到兩個音檔，1 到 6 月生日的觀眾下載 A 檔，陪同者則下載 B 檔，在指定的時間與地點播放音檔，演出就會開始，表演過程中如同廣播劇。那天西門町的夜晚下著磅礡大雨，有上百人參加，每一對參與者，他們兩人會依循音檔指示四散，然後重逢，而在演出尾聲，大家一起共舞，這些臨場感的氛圍是難以透過拍攝紀錄的，後來鄺佳玲將紀錄展演的片段與裝置結合變成藝術品，並且拋出一個反思「科技與藝術結合的創作，可以與一般藝術形式做出怎樣的區別？」

鄺佳玲接著介紹了香港藝術家 Eric Siu 的作品《Touchy》，是一台特殊的相機，需要兩人進行 10 秒鐘的觸摸和對視，才能啟動拍照功能。這個簡單的動作，旨在探討隨著智慧型手機的普及，人與人之間日益疏遠的現象。

另一件引人注目的作品是《轉盤騎士》（Turntable Rider），由 TBWA 與 COGOO 共享腳踏車公司、數位創作團隊 SEMITRANSPARENT DESIGN 共同合作，將「共享」的概念透過音樂呈現。腳踏車的兩個輪子如同 DJ 的轉盤，騎行時會依不同方向發出各種聲音，讓騎腳踏車的人成為 DJ。

由於這種互動形式難以在展覽中完整呈現，除了影像記錄互動現況外，還規劃了開幕及周末的現場表演，觀眾可親自騎車體驗，甚至帶小朋友參與。鄺佳玲表示，她在策展過程中不斷挑戰和實驗，將展覽推向更前衛的境界。

誰才是演出者？當觀眾成為展覽中的一員

安迪沃荷曾說：「未來，每個人都可能成名 15 分鐘！」在社群媒體普及的世代，人人皆能成為網紅，鄺佳玲對「演出」與「現場」的定義產生了新的思考。她認為，在科技時代，表演門檻大幅降低，每個人都可能成為主角。2017 年，在 Microwave 新媒體藝術展中，透過一系列作品，探討「演出者」的概念，以及科技、互動與觀眾參與的關係。

她舉了四個展出案例。法國雙人組 Nonotak 運用光影裝置，將觀眾帶入沉浸式空間。雖然作品本身無互動性，但隨著 IG 的普及，觀眾紛紛與作品合影，顯示當代的社群互動方式。台灣藝術家姚仲涵的作品《DZDZ》與舞蹈電子樂相關，觀眾可站在台上，透過身體律動產生聲音，成為表演的一部分。德國藝術家 Darsha Hewitt 的作品《Electrostatic Bell Choir》利用老舊電視的靜電，影響懸掛的球，撞擊鐘鈴，產生獨特聲響。

最後是日本藝術團隊 TASKO 的作品《Perfumery Organ》，設有鋼琴和香氣瓶，每一個琴鍵對應一種香氣，觀眾彈奏琴鍵時，香氣瓶被開啟，香氣隨風扇散發。如此一來，每首樂曲都對應著一種獨特的香氣組合。藝術家還設計了定時自動演奏功能，使觀眾即使不在場，也能欣賞到自動生成的香氛音樂。

「肌肉控制音樂，音樂控制肌肉」用臉部辨識讓人體成為樂器

真鍋大度是一位跨足科技與藝術的創作者。自 2004 年畢業於媒體藝術相關科系，便持續投入相關領域的工作。在多年的探索中，真鍋大度對數學領域展現了濃厚的興趣，並將其融入藝術創作之中。現在他以發展個人專案為主，他說：「個人專案一年約有 3 至 4 個在進行，而團隊專案則可達 5 至 10 個。」他回顧曾參與製作的專案已累積超過 500 個。

真鍋大度大約在 2005 年，熱衷於 DJ 以及樂團，開始對互動介面產生興趣，想開發新的樂器。他受到 Dumb Type 音樂團體的啟發，有了透過肌肉去控制音樂的想法，於是設計一款透過感測手指肌肉微弱電流，來控制聲音的裝置，這種裝置的製作技術需要透過機器學習來執行，由於當時 AI 技術尚未普及，裝置對於姿勢動作的理解還無法做到位。

接下來他開始反向思考如何透過音樂去控制臉部肌肉，他用微量電流電自己去改變臉部肌肉的表情，於是他接續研究機器與人的關係，又發明一個裝置，機器去讀取真鍋先生的表情，然後他身邊朋友的表情也同步被他影響，做出一樣的表情，並融合音樂把人體視為一種樂器。

動態捕捉與無人機結合舞蹈的多元嘗試

到了 2013 年，真鍋大度開始著眼於 4DViews 以及動態捕捉的技術，並且與見長於硬體設備的石橋先生進行無人機的研究。他運用動態捕捉系統來控制無人機，進行舞蹈編排，直到 2014 年才成功地將動態捕捉技術與無人機相結合，並開始與舞團 ELEVENPLAY 合作，創作出無人機與舞者共同表演的作品。

真鍋大度在舞台上將無人機與編舞家的創意結合，無人機根據舞者的動作在空中編排出複雜的陣列，後來這種合作模式，在他後來的創作中越來越普及，也透過科技來創作前衛的作品。

明和電機製作的的神奇樂器！竟然模擬狗叫聲

明和電機社長土佐信道開場用自家樂器「電音蝌蚪二胡」先來一段演奏，勾起觀眾的熱烈反應，他接續介紹，明和電機的聲音系列產品，不斷探索發聲這件事，每一個樂器都還原生物的發聲構造，研究喉嚨中的聲帶以及空氣流，並透過嘴巴與鼻腔的控制來調整音色。他強調聲音的力量是不可思議的，甚至能夠影響人的情緒，就像是某種「咒語」般的力量。

明和電機社長以時間軸的形式，帶領我們一同窺探其樂器發明歷程。1995 年，他設計出一款名為「鯖魚男」的樂器，該角色從胎兒逐步演變成孩童、女性，最終發展為具有三重合聲的機器人。他透過自己的聲音實驗發現，雖然人類擁有發聲的構造，但單靠這些生理器官無法準確發出「Do」音。大腦的辨識和調整能力才是使聲音準確的關鍵。然而，他也認為不穩定的聲音更具人性化，反而展現出更深層的魅力。

2004 年，他發明了模仿嘴巴開合的「機器狗」樂器，深入探討聲音受嘴巴動作影響的變化。這款樂器後來演變成「吉娃娃笛子」，為之後的「電音蝌蚪二胡」發明奠定了基礎。2009 年，他又創造出一款模仿笑聲的樂器，特別之處在於它不需電力驅動，社長現場示範這款樂器發出的笑聲，逗得觀眾忍俊不禁。他還為每款樂器設計了帶有臉部表情的外觀，進一步提升了作品魅力。

最後，社長總結道：「明和電機以藝術為起點，這些樂器不僅在功能上有所表現，我們還希望它們帶有魔法。我們不斷追求這種不可解釋，但能夠感受到的神秘魅力。」

音樂的互動設計如何在創作與商業保持平衡

聽完講者的分享，觀眾最關心的是講者們如何達到收支平衡並持續創作。明和電機社長表示，他的公司並未承接商業案件。過去曾試圖做一個「抖腳」道具，但未成功，讓他反思接商案需要對客戶負責，並幫助客戶盈利。觀眾好奇明和電機的營運狀況，社長幽默地回應公司確實有賺錢，但手頭資金不多，並打趣說：「我和真鍋先生一樣，會將賺到的錢再投資到下一個作品。」 

真鍋大度對於創作與商業的平衡反饋，提到首次接到商案是透過合夥人石橋先生引進的廣告案件，當時 Rhizomatiks 公司尚未成立。他表示對商業案件並不排斥，但是確實職涯初期接的商案比較多，相較之下現在比較少。他解釋，接案的方式會影響他的思考角度。若是以公司名義接案，他會從營運業績和控管案量的角度出發，通常以總監角色思考，不干涉細節；若是自己接案，則會更享受並投入其中。

本篇文章之撰寫費用來自文化部委託高雄市政府辦理之代辦經費。