擬真的動畫或藝術作品總會讓人嘖嘖稱奇，感嘆 CG 創作者對於現實的觀察力，但相比之下，擁有獨特美術風格的作品，甚至能帶來令人意外、具有文化啟發與藝術價值的視覺饗宴。日前，知名電影導演 Miguel Ortega 推出了一部動畫短片《The Voice in the Hollow》，其濃烈的非洲色彩融合70年代的科幻藝術風格，獨特視覺美學自發布後便獲得了許多獎項提名，而看過的觀眾也給予極高的讚譽。此次，映CG 特別邀請到 Miguel 來分享《The Voice in the Hollow》的幕後製作，帶你一同深陷迷人的動畫世界。

聊聊《The Voice in the Hollow》的製作緣起？如何發想故事劇情？

Miguel：一切都得回溯到我的上件作品，一部名為《Ningyo》的真人短片，它花了我四年嘔心瀝血打造，幾乎耗費我四年來所有時間；後來正式亮相時，有一間好萊塢的工作室來洽詢，他們表示想將《Ningyo》改編成一部電影。我們當時非常開心，但由於 COVID-19 疫情開始肆虐，專案不得不取消，這造成我極大的失落與悲傷。因此我決定往後只做自己的事，且不再考慮商業上是否會成功，這對我來說是個療傷的方法，同時也是《The Voice in the Hollow》的創作契機。

                                                                                                                   《The Voice in the Hollow》

整體製程耗時多久？其中遇到最大的挑戰？

Miguel：整部片耗時 10 個月左右，核心團隊只有我跟 Tran Ma 兩個人。儘管如此，我們還是有幸得到許多優秀的藝術家朋友幫忙，包括視覺效果、動畫與骨架等等；另外，我們還有專業的 2D 團隊負責鬼魂場景，非常感謝他們對這個專案所付出的努力奉獻。儘管有這麼多的朋友支持，但最大的挑戰仍然躲不過現實的資金問題。至於製程的話，我們會使用 Maya 建模、Substance 系列軟體製作紋理、Mudbox 和 ZBrush 雕刻、Marvelous Designer 和 Premiere Pro 後製編輯、以及透過 Unreal Engine 5 算圖；Unreal Engine 5 真的是一款非常棒的工具，尤其是 Lumen 和 Nanite，這兩個功能真的非常強大。

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談到視覺開發，為何將角色以木製玩偶的外觀呈現？

Miguel：背後的設計概念主要是讓風格保持簡單又精緻，憑藉著製作超過十年的擬真角色經驗，我們了解有許多因素會導致設計風格看起來逼真與否，於是做出一個深思熟慮的決定 – 使用 Unreal Engine 製作。當初開始進行專案時，我們只接觸了約一個月左右，儘管有著一定的挑戰性跟限制，但還是想嘗試看看。我們沒有花太多時間在處理眼睛光線反射或皮膚的次表面散射，以營造擬真感；而是專心製作既有視覺衝擊，又不會降低創作效率的設計風格。

此外，我小時候很常去迪士尼的好萊塢夢工廠（舊稱麥克梅影城），在那邊可以看到 2D 動畫師工作的樣子，於是我整個人就被迷住了，我會站在那好幾個小時，只為了看他們工作，從那一刻起我就知道這是自己畢生的理想職業。儘管 2D 動畫在美國的 90 年代開始沒落，停格動畫也非常小眾，但我對 2D 動畫的熱愛卻不曾減少過。通常只要情況允許，我就會把它應用在作品中，因為它在我心中佔有非常特別的位置，甚至《The Voice in the Hollow》的部份 logo 也是用 2D 動畫創作的，因為我認為將繪畫賦予生命是一件很美好的事。

片中出現許多非洲部落元素，包括面具圖騰與儀式等等，能聊聊其中的製作細節？

Miguel：關於這點，團隊進行了徹底的研究，以確保在電影中呈現的文化是正確且尊重的。雖然我們從不同地區的部落找尋靈感，但 Coa 和 Ala 的主要設計是源自於納米比亞地區的 Himba（辛巴）部落。而短片中的藝術品、豹紋圖案、雕像等等則是參考自 Oba（歐巴）部落，豹在他們的文化中象徵著力量之間的平衡；但在《The Voice in the Hollow》中，Coa 和 Ala 象徵著該平衡的瓦解，最終導致她們的墮落。

透過動作捕捉模擬演員動作的過程中，有遇到任何挑戰？

Miguel：幸運的是，有優秀演員 Kaitlyn O'Connell 的大力幫忙，她豐富的肢體動作讓角色表現栩栩如生，動捕過程也非常順利。最初，我本來想靠自己來完成動補，但後來發現如果由一個 40 歲的男人執行的話，動作會相當違和；而 Kaitlyn 能表現地更好，並實現我無法呈現的擬真感，對於她能在不跌倒的情況下擺出特定姿勢這點，我到現在還是覺得非常神奇。此外，我們主要使用 Xsens 系統和 MocapX 來捕捉臉部動作，且由於全程都是我負責，所以我必須記住史瓦希利語（Swahili）怎麼說，才能把時間跟口腔動作融合在一塊。

另外值得注意的是，這部短片不只有動作捕捉，我們還聘請了一些工作人員來繪製大量的手繪動畫，這才是《The Voice in the Hollow》之所以獨特的關鍵，包括為角色和電影等等增加更多細節與戲劇張力等等，以營造逼真且自然的視覺感。

整部片出現了大量的紅色，它所代表的含意？是否會影響算圖過程？

Miguel：最初在製作時，我們打算為整部作品增添濃厚的非洲色彩，但最後看起來卻像廉價版的《獅子王》；因此，我們決定改變方法，並從 1970 年代與行星有關的科幻藝術中尋找靈感。這個改變讓我們能創作出獨特的東西，並從其他非洲作品中脫穎而出，它也給了我們機會去探索全新的視覺風格，並打造出更具特色、令人難忘的作品。

大量的紅色雖然不會影響算圖，但其中確實有遇到一些困難，尤其是在處理 Alembic 檔案或將環境煙霧與 HDRI 一起使用時。另外，過程中我們遇到了燈光會意外中斷再恢復的問題，導致場景與預覽畫面不符，儘管團隊做了許多嘗試，但最後還是無法解決，非常讓人沮喪。

拍攝過程中有使用任何特殊鏡位嗎？

Miguel：我的拍攝方法幾乎都只遵循幾個簡單的原則：

• 為圖像創建三層景深，包含前景（通常呈現散焦狀態且不太重要）、中景（主體）、遠景。藉由這三種不同的景深，能讓圖像顯得更有深度，呈現出更強烈的對比。
• 留意鏡頭的移動，如果是人工拍攝，請確保該人員能保持鏡頭穩定性，這能很好地增加擬真感與可信度。
• 將圖像最亮的點放在離鏡頭最遠的地方，並從後方照射，這能為圖像增添景深效果以及擬真感，且許多知名電影攝影師也都會使用這個技巧。另外，如果你 Google「電影攝影範例」就會發現，這是許多優秀鏡頭中不可或缺的元素之一。
• 最後，我傾向於使用長焦鏡頭（焦距 50-80 mm 或以上），以營造出漂亮的淺景深，且不會影響到臉部的呈現。

分享最具挑戰性的場景製作？或最喜歡專案中的哪個部分？

Miguel：對我來說，製作方面最困難的是編輯結尾的部分，尤其當 Coa 掉到洞裡的時，它花了我非常多時間去揣摩 Coa 的恐懼和緊張，過程中我一直懷疑自己是否能做出想要的效果，但最後我很開心成品看起來非常棒。另外，對我來說整個製作過程最重要的一點是能和觀眾共同看首映，包括我的媽媽和先前 Gnomon 認識的好朋友，特別是當兩人打架的高潮時刻讓整個房間都全神貫注、非常緊張，能目睹觀眾有這種反應是我永遠都會珍惜的經驗。

圖片由 Miguel Ortega 提供，文章由映 CG 所有，如需轉載請聯絡我們。