在第 46 期雜誌【流光溢彩．攻略燈光調色，探索職涯心法】中，我們採訪來自遊戲、動畫、電影產業的燈光師，聊聊燈光師的工作流程與職涯發展，而本次映CG 採訪了就任於 DNEG 的台灣燈光 TD－Kane Chang，原本就讀媒體設計系的他，在畢業後輾轉到了資策會進修，並前往國外任職 CG 燈光師，參與多部膾炙人口的電影，一起來了解電影的 CG 燈光師都在做什麼？他們又是如何打造出畫面中美麗的光影呢？

你曾參與《音速小子》、《許願神龍》等電影，可以分享上述專案中，你做了哪些燈光工作？

Kane：理論上特效或動畫的燈光師工作，都是藉由光線與色彩以及攝影機運作原理引領觀眾的視線，使故事更順暢地被敘述。譬如運用明暗、景深、冷暖對比使主要角色或故事更突出，並平衡畫面，可以想像成給電影最後的「上色」。除了畫面外，技術上要確保拿到最新、最完善的 upstream update、並預估算圖農場的時間、不同階段提交不同的 sample / step 算圖、眼睛 eye spec / caustic 的控制、溝通算圖的噪點跟穿幫、準備 dailies 跟每週的 sequence catch up 等等。  

呈上題， 通常燈光師會需要與哪些人合作？  

Kane：我堅信在任何行業要存活下去，知道自己的 TA (target audience) 是關鍵之一。大家常說「溝通很重要」，但不少人往往急於表達自己的觀點，而忽略了事「誰」在聽。舉例來說，一般燈光師是直接對燈光總監，燈光組長通過 sequence lighting（主光與基本分層設置）就算完成他的工作，有任何問題都還是可以請教，但如果想 overwrite 任何組長的 set up 是沒有問題的，只要燈光總監跟 CG 總監滿意你的作品，而關鍵就在於你負責鏡頭的細節，做的越精緻就能更容易的說服總監。  

像我剛經歷 DNEG 一個 pitch 的競標案子，學習到非常多大方向的思維－TA 其實不再是總監，而是客戶。大部分客戶要的是你在最短時間內畫出最大的餅，他們不這麼在乎製作細節，而是預算跟可能性。同樣的思維可以套用在跟教授、同學、同事溝通時，先想想他們要的是什麼可能會提高效率。

開始燈光工作前，會獲得哪些資訊或檔案呢？  

Kane：首先要先區分你製作的是什麼形式的作品，畢竟實拍跟動畫所獲得的資訊蠻不同，以實拍為例，在理想情況下，每顆鏡頭都會獲得像下圖的灰球、金屬球跟 on-set dummy 參考。在 CG 環境中也會有一樣的 CG 球，第一步就是把灰球的 diffuse light 跟金屬球的高光點盡可能地對上。如果是一個酒吧的場景，那除了現場拍攝的 HDRi 之外，每盞室內燈基本上都會依照建模擺放的位置在 CG 環境中還原並完全對照 CG 球跟 on-set 球的光源，照這個邏輯在 CG 場景內放置任何 CG 角色就應該跟實拍時光源一樣，蠻科學的。  

而動畫的話，會有所謂的 colorkey/ colorscript 參考，藝術總監會針對每個 sequence 會畫出 5 - 10 張的光影顏色參考，倒不是說要完全 match。譬如以下圖為例，燈光師需要「平衡」出黃綠色帶出的詭譎氛圍、各角色的固有色、不同的材質表現與表演的易讀性等。  

在實際開始製作前，你會做哪些事前的思考和準備呢？  

Kane：第一是時間，有時間壓力是個好事。一個好的燈光師應該要能推算出算圖農場需要多少時間，上游什麼時候能把東西給到，於是我需要多少時間在 debug、lighting、render optimizing、precomp、comp 等等。

第二是製作內容分析，這個畫面要強調的是什麼(人物、劇情、時段等)，要用什麼手法去呈現（明暗、風格化、顏色等）。

第三是研究一下 references，找找有沒有巨人的肩膀站一站，譬如有人做過相似的場景，那是不是能更好的輔助我們sell the idea？

燈光 TD 與燈光師的工作內容有什麼不一樣？

Kane：其實工作內容並無太多區隔，只是歐洲多數工作室會將燈光師稱為燈光 TD。據總監的說法是歐洲核發簽證的關係需要一個更 fancy 的職稱。然而燈光師還是可以區分成偏技術或偏藝術，基本上偏技術的會做更多前期分層設置或轉成純 TD (技術總監)，偏藝術就會做更多 Shot polishing 或 lookdev (視覺開發)。  

過往你也有擔任燈光兼合成師的職位，可以聊聊燈光師經常會需要跨足「合成」這個領域嗎？  

Kane：這部分也區分成實拍與動畫，實拍的燈光師只需要 Precomp，大致是直接的 A over B + rough roto。正常實拍流程下的燈光師在 nuke 修改了燈光強度後，是需要重新算圖的。而動畫就沒這麼硬，大致是 1/3 時間 debug 把圖算出來、層分好、少噪點不閃；1/3 時間打燈；1/3 時間合成，合成可調性也比較大，但還是要顧及上下鏡頭的連接為主。  

在專案進行上是否會視專案不同而採用不同的算圖引擎？又會如何做選擇呢？  

Kane：大型電影專案目前趨勢應該還是 Katana + renderman，因為 katana 如 nuke 的節點式結構與易分享/覆寫性質可以比較好的應付 sequence base 的情況，而比較小的專案也開始用 Unreal 遊戲引擎在做測試，也很多特效公司是用 Houdini 打燈，也聽過比較小型或個人用 Blender 創作。因此選擇算圖引擎 / 平台的最大原因，不外乎案子的大小跟公司有沒有相對的機動性去針對性的切換。  

分享在 CG 中做「燈光」的小技巧？  

Kane：少即是多！即便是複雜的光源環境也要時不時確認黑白灰關係 (Value)，站很遠看或瞇著眼睛看，還是可以讀出 key light、bounce light、rim light，為了符合現場或故事需求常常會有數十盞燈，但回歸基礎滿重要的。

再來是我們看到算圖畫面其實是光與材質作用的結果，而有些材質譬如冰或水晶是很難控制的，可以理解成光會不規則地在其表面反彈，造成過於複雜的結果。一個解法是另外賦予物體 lambert + displacement 屬性，然後單算一層變成 mask 在 nuke 裡很靈活而直覺的增強或減弱 key / fill / bounce 的感覺，算是常在動畫案會使用的小技巧吧。 

想成為更好的燈光師，平常需要做哪些練習或習慣培養，來讓技術更精進？  

Kane：推薦一些課，譬如 Painting with Light and color，不是說燈光師必須會畫圖，但學習兩位前 Pixar 藝術總監如何解讀光與顏色，進而設計出 colorkey / colorscript，會對「learn how to see」有所幫助。也盡量養成提出質疑的習慣，不要好不容易學會新軟體的一堆功能之後，卻不知道如何打出漂亮的組合拳。簡而言之除了學習 how 之外，why 也滿重要的。  

針對想成為燈光師或燈光 TD 的讀者，你有甚麼建議？  

Kane：除了上述相關技術的培養外，多分享兩個可以長期培養的觀念：一個是「不斷挑戰並接受失敗」的心態，從每天的工作到每次投履歷找工作時，一嘗試就 OK 的其實很少，保持實驗精神真的很重要，不要只覺得試了第 100 次的成功很棒，前面 99 次的失敗、檢討、調整方向又重來的精神才是可以把賽局無限玩下去的秘訣。也就是所謂「It is better to try and fail than fail to try」。

再來是「累積個人品牌形象」，不是說真的要創立一個品牌，而是要先認知這就是一個標籤化的時代，並反過來利用這點，小心維護並培養出代表自己專業的「標籤」。譬如是想成為偏技術的燈光師，就多分享或研究新的工具，反之偏藝術類的就盡量呈現光感、美感較強的作品，總之盡量先強化自己的特色（標籤）。